TADDEO GADDI

Hijo de Gaddo Gaddi, un artista del que poco se sabe, la educación artística de Taddeo le viene principalmente por ser alumno y asistente del pintor Giotto di Bondone. Cennino Cennini se refirió a Taddeo llamándolo ahijado de Giotto y dice que su relación duró 24 años.

Los primeros trabajos, como La estigmatización de san Francisco (h. 1325-1330, témpera sobre panel de madera) demuestra un sutil remodelado del estilo de Giotto.

Quizá sus obras más famosas son la serie de frescos que representan las vidas de la Virgen y de Cristo en la Capilla Giugni (antes Capilla Baroncelli) en la Basílica de Santa Cruz en Florencia (1328-38). La anunciación a los pastores (a la derecha) ilustra el interés de Taddeo en la luz y sus efectos. Su estudio de los eclipses solares en particular le llevarían con el tiempo a una serie lesión ocular en 1339.

Como arquitecto, Taddeo Gaddi se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio en Florencia, así como el Ponte Trinita, que fue destruido en el siglo XVI.

Dos hechos apuntan a la importancia de Taddeo Gaddi como artista florentino:

- Giorgio Vasari incluyó una biografía suya en las Vidas.

- El nombre de Taddeo aparece en lo alto de una lista de 'los mejores maestros de pintura que hay en Florencia'.

Taddeo Gaddi tuvo cuatro hijos, tres de los cuales fueron artistas conocidos: Giovanni Gaddi, Agnolo Gaddi y Niccolò Gaddi. Ninguna evidencia demuestra que su cuarto hijo, Zanobi, fuera alguna vez un artista serio.

Su presencia en museos españoles es muy reducida: La Adoración del Niño del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Dos tablas del Museo del Prado, que se le atribuían (legado de Francesc Cambó), se asignan ahora al anónimo Maestro de la Madonna de la Misericordia, seguidor suyo.

FRA FILIPPO LIPPI

Fra Filippo Lippi fue uno de los mejores pintores del primer renacimiento, podría haber sido el más importante, pero el amor se interpuso como obstáculo para lograr el éxito absoluto.
Filippo nació en el año 1406 en el seno de una familia muy humilde de Florencia, ciudad que por aquellos años comenzaba a despuntar en la creación artística.

Por desgracia quedó completamente huérfano a los pocos meses y unos familiares tuvieron que hacerse cargo de su educación hasta que por falta de recursos hicieron que ingresara en un convento para que tomara los hábitos, de ahí el nombre de “Fra” que le acompañó toda su vida.
Lo cierto es que Filippo no tenía ninguna vocación, ni por el estudio ni por la vida monástica. A él le gustaba disfrutar de la compañía femenina y dibujar. Sus primeros trabajos los realizó en su convento, hasta que cansado de perder el tiempo, decidió escapar y dedicarse a pintar.
Encargos no le faltaban, ya que su estilo preciosista era el favorito de las clases altas florentinas, tanto es así que la familia Medicci, la más importante de la ciudad le tuvo bajo su protección, salvándole en más de una ocasión por los escándalos que Filippo protagonizaba.

No debemos olvidar que todavía era fraile, ya que había huido sin más, por lo que su conducta “desordenada” en cualquier persona, resultaba escandalosa en un hombre de iglesia.
Viajó por gran parte de Italia, aprendiendo de las diferentes escuelas pictóricas, aunque él perfeccionó hasta el máximo los cuadros de vírgenes con el niño, insuperables aun después de su muerte. De sus pinceles han salido algunas de las mejores madonas del renacimiento: rubias, bellísimas, elegantes y serenas, marcando el canon de belleza de la época.

El punto de inflexión más importante en su vida fue el conocer a Lucrecia Butti, una de las mujeres más bellas de Italia si nos fiamos de los cuadros que pintó con ella como modelo.
Solo había dos problemas: él era todavía fraile y ella era una novicia del monasterio donde estaba pintando unos frescos. El amor entre ambos fue más fuerte que cualquier otra cosa, y decidieron huir juntos.

Se mantuvieron ocultos en contra de la familia de Lucrecia y de la familia Medicci. Cuando por fin los encontraron, habían pasado más de 10 años y habían tenido un hijo juntos, el que sería famoso pintor, más incluso que su padre: Filipino Lippi.

Pero cuando todo parecía calmarse y estaba a punto de obtener la nulidad de sus votos eclesiásticos, le sobrevino la muerte prácticamente de un día para otro.

Se sospechó, posiblemente con razón que la despechada familia de Lucrecia, no habría perdonado la deshonra y querría evitar un más que posible matrimonio entre los dos. Sin embargo no debemos olvidar que el fallecimiento se produce en 1469, por lo tanto no estamos hablando de un joven en la flor de la vida, sino de un hombre de edad más que avanzada para la época.
Su muerte, nunca aclarada, no desmerece su vida apasionada y sincera. Filippo decidió amar y ser amado.

BOTTICELLI

Botticelli.

Nacido en el año de 1445 en la ciudad de Florencia, y difunto en la misma en 1510, su nombre puede que derivase del apodo otorgado a su hermano mayor Giovanni o a algún compañero paterno con el cual habría trabajado (no se han encontrado indicios que apoyen la veracidad de este dato aportado por Vasari), atendiendo en realidad este artista al título de Alessandro di Mariano Filipepi.

Al igual que sucede con un buen número de contemporáneos de Botticelli, establecer sus inicios en el mundo de la pintura presenta algunos problemas, dado que existen quienes consideran que se habría formado en el taller de Fra Filippo Lippi, frente a aquéllos que adjudican la responsabilidad de su aprendizaje a Verrocchio o a Pollaiuolo. Lo que sí se sabe con certeza es que en la década de los setenta inicia su andadura profesional: es a comienzos de la misma (1472) cuando aparece documentado inscrito en el gremio florentino de pintores y empieza a recibir sus primeros encargos (caso de la alegórica Fortaleza realizada para la sala de la Mercatanzia de Florencia o del San Sebastián para la iglesia de Santa María Maggiore de Florencia).

La producción de Boticelli va a estar muy vinculada a lo largo de toda su vida a diversas instituciones oficiales e importantes familias, llegando a ser protegido de los Médici (lo cual da idea del reconocimiento de prestigio que ya habría alcanzado en la época), para quienes pintará, entre muchas otras obras, los retratos de Cosme el Viejo y Giuliano de Médici (a quienes volverá a representar además, junto con varios miembros de la familia, en la Adoración de los Magos realizada hacia 1476 por encargo de Giovanni Lami), el Retablo de las convertidas o la Virgen de la Eucaristía. También habría sido un Médici el poseedor de sus magníficas e internacionalmente conocidas Alegoría de la Primavera (1478) y Nacimiento de Venus (1485), así como de las obras hermanadas Regreso de Judith a Betulia y Descubrimiento del cadáver de Holofernes (hacia 1475).

A principios de la década de 1480 incluso será reclamado por el Papa Sixto IV para participar en la decoración de la Capilla Sixtina, dejando constancia de su paso por el Vaticano en los frescos de las Pruebas de Moisés (ejemplo magnífico del dominio que posee de la perspectiva y su conocimiento del uso de la luz, la aplicación del color y la obtención de volumetría), la Tentación de Cristo y el Castigo de los rebeldes contra Aarón.

Una vez de vuelta de Roma es cuando va a realizar algunos de sus más bellos cuadros, entre los cuales es posible encontrar aquellas pinturas de temática mitológica que tanta fama le dieron y con las que, por lo general, se suele asociar su imagen, caso de Palas y el Centauro (1482) y Venus y Marte. Sin embargo, no se pueden dejar en el tintero otras composiciones de carácter religioso realizadas por Boticelli en este periodo, como la maravillosa Madonna del Magnificat (hacia mediados de 1480), la Madonna de la Granada (1485), el retablo (1485) encargado por Giovanni de Bardi para la capilla que poseía su familia en la iglesia del Santo Espíritu florentina o la Anunciación de Guardi (1489). A través del análisis de las mismas se puede apreciar la evolución y culminación de su estilo preciosista y elegante, que comienza ya a inclinarse hacia la tristeza al final de la década (se puede apreciar en la boccacciana Historia de Nastagio degli Onesti).

Quizá sea la última etapa de su producción, durante la cual tenderá a un ascetismo sombrío desposeído del encanto previo ya visto, la más diferente, salvándose de esta tendencia la obra, basada en el texto de Luciano, la Calumnia de Apeles (1495).

Principales obras de Botticelli

Aún cuando la mayoría de las obras de Botticelli resultan poseedoras de una enorme calidad y un característico estilo muy similar, han sido las composiciones El Nacimiento de Venus y La Primavera las consideradas como sus grandes obras maestras.

En ambas es posible apreciar el estilo refinado, preciosista y, de algún modo, irreal, propio de Botticelli, al servicio del cual entrará su dominio de la tensión lineal (influencia de Pollaiuolo) y su concepción casi espiritual de la materia.

En las composiciones botticellianas la naturalidad de la escena, a pesar de la riqueza decorativa y la complejidad que en ocasiones se muestra, siempre sorprende. De algún modo las figuras parecen existir en sus cuadros porque no podría haber sido de otra manera, resultando siempre ligera la transición entre los diversos personajes (debido en gran parte al empleo móvil que de la línea realiza), existiendo incluso aquellos autores que han teorizado acerca de su producción en términos de comparación musical (en su obra el ritmo y el lirismo se unen para conformar un etéreo conjunto visual resultado de una comprensión del mundo pasada por el tamiz del neoplatonismo y el intelecto).

La Primavera.

El Nacimiento de Venus.

DONATELLO.

Donatello.

Fue el escultor más importante y de mayor influencia en el Renacimiento Temprano. Nació en 1386 en Florencia. Entre 1404 y 1407 trabajo como ayudante en el taller de Ghiberti. Su primera obra importante es el David de mármol esculpido en los años 1408- 1409 para completar uno de los contrafuertes de la Catedral.Posteriormente creara gran cantidad de esculturas en mármol, terracota, bronce, y madera para comitentes mayormente de la ciudad de Florencia, también de Pisa, Siena o Prato.Entre 1444 y 1453 trabaja en Padua donde residirá hacia 1446-1447 siendo su obra destacada en esta lugar la estatua ecuestre de Gattamelata terminada en 1453 regresa a Florencia donde las condiciones de trabajo empeoran dado que cuatro años más tarde a la edad de setenta años pretende hacerse con el encargo de las puertas de bronce para la Catedral esto, solo resultarán en proyecto.Posiblemente por un encargo de Cosimo de Médici , tal vez " Las cancelas de bronce de San Lorenzo"-regresa a Florencia en 1459 y con la obra en elaboración fallece el 13 de diciembre de 1466.También se destacan sus inventos en el tratamiento de los relieves dando un nuevo punto de vista al arte europeo, como el relieve que decora el zócalo de su imagen de San Lorenzo en Orsanmichele, donde muestra la ruptura con los conceptos tradicionales del relieve. Donatello representa la profundidad espacial dentro del mismo plano del relieve. La nueva técnica se llama "Rilievo Schiacciato" o relieve plano por su efecto visual, también se le suma la dramatización de la forma narrativa.En su obra llamada Madonna Pazzi que es un relieve en mármol creada hacia 1417-1418 rodeada por un marco de perspectiva acortada, la Virgen sostiene y abraza al niño cariñosamente, la perspectiva vista desde abajo da a la escena grandiosidad. Es una escena casi retratística Donatello depura el tipo de Virgen en relieve de medio cuerpo que sugiere proximidad al observador cobrando mayor notoriedad durante el quattrocento como imagen de meditación y culto privado.Donatello alcanza con su técnica el apogeo hacia 1425 en la obra para la pila bautismal del Baptisterio de Pisa llamada: el Festín de Herodes, aquí se diferencia la escena central de la presentación de la cabeza de San Juan el Bautista ofrecida a Herodes por un soldado con la rodilla en tierra ante el terror de los presentes.Salomé a la derecha con estilo antiguo y el personaje del centro, increpa a Herodes que retrocede aterrado, aquí se da una concentración escénica que redunda en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada, enviando la mirada del observador para apreciar una profundidad en las dependencias del fondo antes no tenida en cuenta. El uso de la perspectiva central en este relieve de Donatello se destacará en todo el Renacimiento Temprano.Los trabajos de Donatello en la Catedral de Florencia serían destinados a los cantantes, al coro y a los músicos, las tribunas se llaman Cantorias. En la tribuna destinada a los cantores realizara una nueva invención en lo referido a la interacción de la arquitectura y el relieve, donde la función del conjunto establece la composición de la estructura, aquí Donatello, alterna los volúmenes arquitectónicos y el movimiento de las figuras humanas. Libera las imágenes del friso de su marco arquitectónico para crear una escultura de bulto redondo.Donatello realiza el David en bronce (hacia 1444-1446) que es una de las más importantes esculturas del Renacimiento Temprano siendo el primer caso en que un escultor crea un desnudo tridimensional de tamaño natural liberando la escultura de la arquitectura.Aquí Donatello se refiere a la Antigüedad al retomar el desnudo tridimensional de tamaño natural. Se supone que convino ser emplazada en el patio del Palazzo Médici como mención a la oposición política y a la resistencia militar de la ciudad gobernada por los Médici ante las expansiones de Milán y Nápoles.Donatello efectúa en sus años tardíos una estatua en madera policromada llamada Maria Magdalena Penitente (hacia 1453-1455) en su estancia en Padua la estatua se hallaba en el Baptisterio de Florencia.A su regreso de Padua se sumará al David de bronce, primera escultura de bulto redondo de todo el Renacimiento Temprano florentino, el grupo de Judit y Holofernes también fundido en bronce de un naturalismo muy marcado. Se coloco en el Palazzo Medici y fue trasladada posteriormente a la Plaza della Signoria delante del Palazzo Vecchio, como símbolo del régimen republicano cuando los Médici huyeron de Florencia, para dejar después su lugar nuevamente y dar cabida al David de Miguel Ángel Buonarroti.En Padua Donatello trabajo en un crucifijo de bronce para la Basílica del Santo y la obra fue terminada en 1449. Aquí también recibe el encargo de una estatua ecuestre del Condottiero paduano Erasmo De Narni, llamado Gattamelata que era el jefe de los ejércitos mercenarios al servicio de Venecia, posiblemente su familia después de su fallecimiento en 1443, realizaría dicho encargo.Donatello fue un gran experimentador dadas sus creaciones inconfundibles como el San Luis de Toulouse para el Arte Di Por Santa María o la Virgen Chellini y la Virgen de los Cordeleros atesorada en el Museo Bardini donde la técnica difusa del estuco se une a una imitación de los fondos áulicos del mosaico vidriado, obtenidos con placas de vidrio para sellar cuero repujado.Donatello se expresa a través del Bronce y la piedra , la terracota y el mármol en lo referente a su expresividad y cultura se halla la experiencia de Ghiberti.El alargamiento de la figura en el San Jorge (1418) para la Hornacina del Gremio de los Coraceros y Espaderos en Orsanmichele manifiesta la deformación visual obligada por la perspectiva natural no desconocida por los artistas góticos y presentes en el estilo romano, reconsiderado por Brunelleschi para elaborar su pensamiento en correlación con la representación sobre un plano de los cuerpos sólidos.El San Juan de Donatello para la fachada del Duomo también exhibe alargamiento del tronco y de los miembros superiores.Donatello entonces domino el arte del relieve y escultura también en bulto redondo. En lo decorativo centró su atención en la figura humana representada en todas las edades y tipos expresando los variados gestos y estados espirituales.Donatello fallece en Florencia en el año 1466.

BRUNELLESCHI

Filippo Brunelleschi

Artista italiano, uno de los maestros fundamentales de la transición hacia el renacimiento. Sus aportaciones, como la recuperación de los motivos clásicos y la capacidad para trasladar a sus obras las leyes matemáticas de la proporción y la perspectiva, le convirtieron en el primer arquitecto de la edad moderna. Brunelleschi nació en Florencia en 1377, donde recibió una temprana formación como orfebre. En 1401 participó, aunque no resultó premiado, en el famoso concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad. Más tarde se dedicó a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto, que representó una gran innovación no sólo artística, sino también técnica, consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Esta disposición permitía un reparto de esfuerzos junto con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios siglos. El arquitecto florentino partió de la necesidad de una estructura de ocho nervios, que discurren por el exterior y sirven de apoyo para el resto de los elementos decorativos, como los relieves con motivos arquitectónicos, los ocho ojos de buey y la elegante linterna que culmina el conjunto. Por primera vez en la historia una cúpula ofrecía el mismo aspecto estructural en el interior que en el exterior. En otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el hospital de los Inocentes (1421-1455), Brunelleschi perfeccionó su estilo austero y geométrico, inspirado en la antigua Roma y completamente diferente del gótico florido que prevalecía en su época. característica principal consistía en el predominio del rigor matemático, marcado por el empleo de nervios ortogonales, líneas rectas, planos lisos y espacios cúbicos. Esta arquitectura de fachadas planas se convirtió en un paradigma para la ejecución de la mayoría de los edificios posteriores del renacimiento florentino. Hacia el final de su carrera, sobre todo en edificios como la inacabada iglesia de Santa Maria degli Angeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la capilla Pazzi (comenzada en 1441), todos ellos en Florencia, abandonó el estilo lineal y geométrico para adoptar otro más escultórico. En el primero de los edificios citados, por ejemplo, el interior no está compuesto sólo por muros planos, sino que éstos alternan con profundos nichos que se abren hacia un espacio interior octogonal. Este estilo, con sus rítmicos contrastes entre vacíos y llenos, fue el primer paso hacia el renacimiento tardío de Miguel Ángel, que a su vez inspiró a los arquitectos barrocos. Brunelleschi también fue un artista innovador en otras disciplinas. Junto con el pintor Masaccio, fue el primer maestro renacentista que recopiló las leyes de la perspectiva. Realizó dos pinturas siguiendo estas leyes, quizá entre 1415 y 1420, y también se cree que pintó el fondo arquitectónico de una de las obras primitivas de Masaccio. La influencia de Brunelleschi fue enorme entre sus contemporáneos y sus sucesores inmediatos, e incluso ha llegado hasta el siglo XX, dado que muchos arquitectos modernos lo consideran como el primer arquitecto racionalista. Murió en Florencia en 1446.

Esquema de la cúpula de la catedral de Florencia.

MASACCIO

(Autoretrato de Masaccio)

Nacido en la actual localidad de San Giovanni Valdarno el 21 de diciembre 1401, se desconoce cuál pudo ser la trayectoria del artista antes de su traslado en 1417 a la ciudad de Florencia aunque se ha valorado la hipótesis de una formación de carácter local. Huérfano de padre a los cinco años de edad. Su madre se volverá a casar, trasladándose madre e hijos a Florencia una vez enviude ésta por segunda vez.

Estableció una relación de amistad con figuras tan señaladas, y que tanto influirán en su pintura, como Brunelleschi y Donatello, a los cuales además retratará ya en sus primeras obras.
Es en esta fecha, asimismo, cuando aparece datado, mediante una inscripción, el Tríptico de la iglesia de San Juvenal de Cascia di Reggello, atribuido a Masaccio (habría sido su primer trabajo realizado en Florencia, probablemente por encargo de la familia Castellani)
Igualmente en este año se consagra la iglesia del Carmine florentina, acontecimiento que Masaccio se encargó de plasmar en un fresco ubicado a la entrada del claustro y que hoy día no se conserva.

En Florencia, además, desarrollará encargos como los frescos para la capilla Brancacci de la iglesia del Carmine, en participación con Masolino, el cual habría recabado su colaboración para otros trabajos, como la tabla de Santa Ana, la Virgen con el Niño y ángeles para la iglesia de San Ambrosio (1424), así como una de sus más afamadas obras: el fresco de la Trinidad, realizado para la iglesia de Santa María Novella (1425-1427).

Sin embargo, es posible encontrar muestras de su genio igualmente en otras ciudades italianas, como Pisa, donde ejecutará en 1426 un Políptico para la iglesia del Carmine, hoy día desmembrado y repartido por varios museos europeos.

En 1428 se traslada a Roma (ciudad a la que supuestamente, y según testimonio de nuevo de Vasari, ya habría realizado con anterioridad un viaje para conocer el arte de los "antiguos") con la intención de colaborar con Masolino en la decoración de la capilla de San Juan, en la iglesia de Santa María la Mayor, sorprendiéndole una muerte prematura en dicha ciudad antes de finales de año, muriendo a la temprana edad de veintipocos años.

Principales obras de Masaccio

Sin duda, se puede considerar el ciclo de frescos compuestos para decorar la capilla Brancacci en la iglesia del Carmine de Florencia como la obra más importante de Masaccio, quien trabajará en su ejecución a lo largo de varios periodos.

Inicialmente reclamado por Masolino en 1924 para que le ayudara en dicha labor, la marcha de éste en 1925 a Hungría pondrá fin a la colaboración, recogiendo Masaccio el testigo del encargo en solitario hasta fecha cercana a su muerte (terminando el trabajo Filippino Lippi posteriormente).

El programa está basado en la vida de San Pedro, aunque es posible encontrar igualmente escenas pertenecientes al Génesis, correspondiendo a la mano de Massaccio los episodios de la Expulsión de Adán y Eva del Paraíso, El bautismo de los neófitos, El Tributo y las arquitecturas en las cuales se enmarca la escena de la Resurrección de Tabita, en el cuerpo superior.
Esta obra es especialmente importante puesto que se supera por completo en la misma cualquier rasgo del gótico previo, constituyendo un inmejorable ejemplo de la que vendrá a ser la pintura de la Modernidad. Para comenzar, la composición es extremadamente compleja, tanto en lo concerniente a las escenas individuales como al conjunto global de la decoración, estructurada en función de un punto de vista principal: el del observador.

Masaccio va a conocer y aplicar las reglas de la perspectiva científica, distribuyendo las escenas de un mismo episodio en función de un punto de fuga, dotándolas de esta manera de una unidad e interrelación narrativa que poco tenía que ver con obras anteriores.

Además, el tratamiento de la luz en las diversas escenas es maestro, logrando con el manejo del mismo una corporeidad en las figuras (ya de por sí monumentales, debido a la influencia de Donatello) y una ambientación "física" plenamente realistas.

Muy importante será en su obra, asimismo, el contexto, concediendo una especial importancia a las arquitecturas marco, puestas siempre al servicio de ese realismo que, en muchas ocasiones, constituye un auténtico juego visual (como se puede observar en el fresco de La Trinidad, cuya impresionante bóveda además supuso un impacto para los coetáneos de Masaccio y que, a día de hoy, todavía deja boquiabierto al espectador).

La expulsión del paraiso.

GIOTTO DI BONDONE

Giotto nació en torno a 1267 al Norte de Florencia, en la aldea de Vicchio.No se sabe con exactitud la fecha debido a que toda la información que tenemos sobre él se debe a las crónicas de sus contemporáneos.Su padre era campesino, pasó su infancia como pastorcillo en los campos. Giotto demostró su talento artístico cuando contaba con la temprana edad de 11 años, ya que mientras cuidaba ovejas, para que el tiempo pase más rápido dibujaba. Tal es así como al pasar por allí lo descubre Cimabue, quien queda impresionado por el talento natural de Giotto, al ver el boceto de una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva, y de esta manera Cimabue, que era el artista más conocido de la época, convence al padre de que dejara hacer que el muchacho sea su aprendiz.

Sus primeros años de aprendizaje transcurrieron en el taller de Cimabue, y pronto comenzó a recibir sus propios encargos, la mayoría eran trabajos religiosos.
Las primeras obras que se le atribuyen son dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. La orden franciscana quería rendir homenaje con su iglesia al santo fundador.
En el primer ciclo, en la parte alta de las paredes del templo desarrolla temas bíblicos, y en la parte inferior de los muros, escenas de la vida de San Francisco de Asís.

Se tratan de veintiocho episodios de la vida del santo, escenas de su vocación, sus milagros y predicaciones, sus retiros de penitencia, las relaciones con sus compañeros, su muerte y los diversos milagros logrados por su intercesión. En todas ellas, las figuras expresan la agitación espiritual que les produce la presencia de la santidad de San Francisco.
Giotto crea escenas verosímiles donde las figuras se insertan de forma natural a través de arquitecturas o de un paisaje abierto, en el lugar donde transcurren los acontecimientos narrados. Individualiza, además, a los personajes con características y rasgos propios.Ejemplo: El Milagro de la Fuente.

El arte de Giotto fue extremadamente innovador. Representó a la figura humana con líneas amplias y redondeadas, en perspectiva, y abandonó la figura plana y bidimensional de los estilos gótico y bizantino. La dotó de volumen, peso y naturalismo, lo que indica una mayor preocupación por el naturalismo.

Su manera de representar el espacio de manera realista, supone un paso adelante en la historia de la pintura y hace que se le considere como a uno de los primeros artistas que contribuyen a la creación del Renacimiento italiano. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento.
Sus composiciones son de profunda emotividad, capta personajes en crisis, bajo presión o tomando gravísimas decisiones espirituales.

Viajó por casi toda Italia y fue solicitado por los personajes más poderosos del momento, príncipes, altos dignatarios eclesiásticos, mercaderes, banqueros y comerciantes.
Los frescos para la Capilla de los Scrovegni, en Papua, son el punto culminante de su madurez artística. También llamado Capilla de la Arena.
Los frescos, que cubren por completo la única nave de la capilla, muestran representaciones del Juicio Final, La Anunciación, escenas de la Virgen y sus padres y de la vida de Cristo.
En el fresco del Juicio Final, sitúa la enorme figura de Dios en el centro de la composición y compara las imágenes de los condenados con las de los bienaventurados.

Giotto pintó, por debajo de las escenas de la vida de Cristo, catorce alegorías de Vicios y Virtudes. Los Vicios están en relación con la parte izquierda de la pintura del Juicio Final, donde se representa a los pecadores condenados al infierno, y las Virtudes con la parte derecha, en la que aparecen los bienaventurados. El mensaje que quiere darnos es que los vicios conducen al infierno y las virtudes a la salvación.

En La deposición de Cristo, situado en la pared norte de la capilla, plasma un drama conmovedor y real. Los santos muestran su dolor, la madre agarra el cadáver contra su cuerpo de forma trágica, María Magdalena, con los ojos llenos de lágrimas, sujeta sus pies y San Juan, aparece con gran gesto de dolor. Un árbol solitario y sin hojas en la colina del fondo, sugiere el horror de la muerte.

En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana
Realizó también las pinturas de la basílica de la Santa Cruz en Florencia. En la capilla Peruzzi representa la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, escenas de San Francisco de Asís.

Otras obras son la Madonna de Ognissanti, también llamada Virgen Entronizada, de gran humanidad y el crucifijo de la Iglesia de Santa María Novella en Florencia.
El último encargo que recibió, hacia 1334, fue la dirección de los trabajos de la catedral de Florencia y de las obras urbanísticas de la ciudad. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso campanile (campanario) de la catedral de Florencia, pero no lo pudo ver terminado ya que falleció el 8 de enero de 1337.

Crucifijo de la Iglesia Santa María Novella Joaquín expulsado del templo.